Biografia de Nicéforo Nièpce
Cuando Nicéforo Nièpce (1765-1833) logró por fin registrar y fijar una imagen del natural, en 1826, dio comienzo (muy humildemente por cierto), al desarrollo de este maravilloso invento que con el tiempo se llamaría fotografía.
José Nicéforo Nièpce el modesto inventor de diversos procedimientos que llevaron a la fotografía y que no logró disfrutar del reconocimiento y de los beneficios de su ingenio.
El invento fue perfeccionado por Luis J. Mandé Daguerre (1791-1851) quien. después de múltiples solicitudes para descubrir la "inexplicable" técnica logró un acercamiento que culminó en la formación de una sociedad con Nièpce en 1829. Luego de la muerte de Nicéforo, la empresa continuó con su hijo a quien convenció finalmente para disfrutar solo de los logros obtenidos. Así pudo consagrarse como el padre del primer método eficaz para la fijación de imágenes.
La fotografía nació oficialmente el 19 de agosto de 1839, en la Academia de Ciencias de París, con un dramático anuncio del diputado liberal Francisco Arago, que exaltaba la grandeza y generosidad de la nación francesa que adquirió los derechos del invento: "Francia ha adoptado este descubrimiento y se enorgullece de poder donarlo generosamente al mundo entero".
Julia Margaret Cameron
Considerada una gran excéntrica de la fotografía. Nació en Ceylan el 11 de Junio de 1815 en Calcuta (India), en el seno de una familia de diez hermanos. Hija de escocés y francesa pertenecientes a la sociedad bengalí fue educada en Francia hasta los 19 años, donde regresó de nuevo a la India.
En 1863, cuando contaba ya con cuarenta y ocho años y a causa de un viaje de su marido, su hija la regaló una cámara para paliar la soledad por su ausencia. Este hecho tuvo un fuerte impacto en Julia que la hizo dedicarse plenamente a la fotografía. Armada con esta primera cámara fotográfica (construida en madera con un objetivo de la marca Jamin), un equipo de revelado y gracias a la asistencia de John Herschel, en pocos meses domino el proceso al colodión.
Transformó y adaptó una carbonera de la casa en un improvisado laboratorio y un cuarto de niños en su estudio. Se dedicó a realizar fotografías, retratos en su inmensa mayoría, de sus familiares, amigos, criados,... obligándoles en muchas ocasiones a posar largos períodos de tiempo debido a las investigaciones que llevaba a cabo con la luz y las placas.
Henry, uno de sus tres hijos abrió un estudio fotográfico en Londres. Margaret Cameron falleció en 1879.
Hermanos Lumière
Auguste Marie Louis Nicolas Lumière (Besançon, 19 de octubre de 1862 – Lyon, 10 de abril de 1954) y Louis Jean Lumière (Besançon, 5 de octubre de 1864 – Bandol, 7 de junio de 1948) fueron los inventores del proyector cinematográfico. Ambos nacieron en Besançon, Francia, pero crecieron en Lyon. Su padre, Antoine Lumière, tenía un taller fotográfico y ambos hermanos trabajaban con él, Louis como físico y Auguste como administrador. Louis hizo algunas mejoras en el proceso de fotografías estáticas.
A partir de 1892 los hermanos empezaron a trabajar en la posibilidad de imágenes en movimiento. Patentaron un número significativo de procesos notables.
Crearon un aparato que servía como cámara y como proyector: el cinematógrafo, que se basaba en el efecto de la persistencia retiniana de las imágenes sobre el ojo humano. Al comienzo ellos mismos cargaban las piezas de la cámara filmadora en un cajón para su traslado de un lugar a otro.
El cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de 1894. En tal año, los hermanos Louis y Auguste Lumière tenían a punto la cámara que servía tanto como tomavistas o como proyector, y con ella llevaron a cabo su primera filmación de la época. El 22 de marzo de 1895 fue mostrada en París en una sesión de la Société d'Encouragement à l'Industrie Nacional la conocida La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir («Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir»), rodada tres días antes.
Tras diversas presentaciones en sociedades científicas, en la Universidad de la Sorbona, en Bruselas y otros lugares, se procedió a su explotación en la primera sesión exhibida para un público comercial, como primer espectáculo de pago (Marcando Oficialmente el inicio del cine) el 28 de diciembre de 1895 en París, en el Salon Indien del Grand Café, en el Boulevard des Capucines, donde se proyectaron varias cintas entre las que destacaban, aparte de la ya citada Salida de la fábrica Lumière, otras como Llegada de un tren a la estación de la Ciotat o El desayuno del bebé. Pocos días después el programa se enriqueció con la primera película de comedia: El regador regado. Así, con este catálogo, el cine comenzó su historia a modo de documental, como testigo objetivo de la vida cotidiana.
Los hermanos pensaban que «el cine es una invención sin ningún futuro», utilizable sólo para el ámbito de la intimidad. No obstante, aprovecharon todo lo que el nuevo invento les ofreció para generar riqueza y montar un negocio rentable. Los Lumière enviaban un cinematógrafo y un operador allá donde era requerido, por ejemplo a la Coronación del zar Nicolás, etc. Con estas cintas rodadas en los lugares más exóticos del planeta surge el montaje.
Su posición económica y el interés que mostraban hacia la ciencia les hizo menospreciar las posibilidades comerciales de su invento, por lo que finalmente abandonaron la producción cinematográfica.
En 1903 patentaron un proceso para realizar fotografías en color, el Autochrome Lumière, lanzado al mercado en 1907.
CARLOS JURADO
LA CAMARA OSCURA Y EL UNICORNIO
Inicia estudios de pintura en 1944 en la escuela de Bellas Artes con maestros destacados como Antonio Ruiz "El corzo" y Maria Izquierdo. En 1951 trabajó en zonas indígenas del país, produciendo materiales didácticos
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Ha desempeñado diversas actividades artísticas y académicas fundando la primera licenciatura de fotografía en el país en la Universidad Veracruzana. Hacia la década de 1970 se enfoca en la actividad fotográfica y desde entonces trabaja principalmente con cámaras estenopeicas para enfatizar por este medio ambientes y atmósferas.
Su proyecto El arte de la aprehensión de las imágenes y el unicornio publicado en 1974 fue una aportación muy importante a la historia de la fotografía en México. Carlos Jurado también recrea tecnologías antiguas como cianotipia, goma bicromatada y papel sepia entre otras. Actualmente trabaja de manera independiente en su taller.
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Ha desempeñado diversas actividades artísticas y académicas fundando la primera licenciatura de fotografía en el país en la Universidad Veracruzana. Hacia la década de 1970 se enfoca en la actividad fotográfica y desde entonces trabaja principalmente con cámaras estenopeicas para enfatizar por este medio ambientes y atmósferas.
Su proyecto El arte de la aprehensión de las imágenes y el unicornio publicado en 1974 fue una aportación muy importante a la historia de la fotografía en México. Carlos Jurado también recrea tecnologías antiguas como cianotipia, goma bicromatada y papel sepia entre otras. Actualmente trabaja de manera independiente en su taller.
En este libro Carlos Jurado describe su relación con la cámara oscura y el arte de aprehender imágenes. Al reescribir la historia de la cámara oscura y narrar el uso del cuerno del unicornio en la creación de la fotografía, Jurado revela los motivos de su particular forma de hacer fotografía.
Sus cámaras estenopeicas (de cartón) hechas a mano por él mismo, se inspiran en la técnica secular de aprehender imágenes por medio de cajas mágicas (cámara oscura), combinándola con el uso de materiales modernos para crear sus fotografías.
El libro fue editado por primera vez en 1974 por la Universidad Nacional Autonoma de México y el tiraje fue de 1 000 ejemplares (edición agotada en el mismo año de su publicación). Una segunda edición artesanal de 300 ejemplares de El arte de la aprehensión de las imágenes y el unicornio fue realizada en serigrafía por el taller Leñateros en Chiapas, México, en 1998.
Este autor me llamo mucho la atención, por su historia sobre la camara oscura y el unicornio, tambien por el solo hecho de mensionar la fotografia como algo magico.
DIANE ARBUS
Diane Nemerov nace en el seno de una adinerada familia judía de Nueva York. Es hermana del poeta Howard Nemerov. A los 14 años comienza su relación con Allan Arbus, con quien se casa cumplidos los 18 años.
En los años cuarenta, el matrimonio se dedica a la fotografía de modas en revistas como Esquire, Vogue y Harper’s Bazaar.
De 1955 a 1957, Diane Arbus toma clases con la fotógrafa austríaca Lisette Model, quien ejerce una gran influencia. En esa época, también, se divorcia de Allan.
La década del sesenta fue la más productiva. Recorre los peligrosos barrios de Nueva York para seleccionar a los personajes que retrata, entre los que se encuentran enanos, nudistas y prostitutas. En 1967 realiza la exposición «New Documents», que la da a conocer al público mayoritario. Continúa trabajando para revistas importantes retratando a celebridades como Norman Mailer, Mae West y Jorge Luis Borges.
En 1971, después de una larga depresión, Diane Arbus se suicida. Un año más tarde su trabajo es seleccionado para participar en la Bienal de Venecia, siendo la primera fotógrafa estadounidense en ser seleccionada, y el MoMA de Nueva York organiza su primera gran retrospectiva.
Arbus experimentó desórdenes emocionales y episodios depresivos durante su vida similares a los que experimentó su madre, pudiendo haber sido empeorados éstos por la hepatitis. En 1968, Arbus escribió "yo subo y bajo mucho," y su marido notó que ella sufría cambios emocionales violentos. El 26 de Julio de 1971, mientras vivía en la Westbeth Artists Community, en la ciudad de Nueva York, Arbus terminó con su vida al ingerir barbitúricos. Fue hallada por Marvin Israel dos dias después. Tenía 48 años.
Esta fotografa me encanto su tematica para elegir a los modelos de sus fotografias, una mujer valiente y que sabe lo que hace y como lo hace.
YVONNE VENEGAS
Yvonne Venegas es graduada del International Center of Photography en Nueva York y está cursando actualmente su Maestría en la Universidad de California San Diego. En Nueva York ella fue asistente de fotógrafos tales como Dana Lixenberg, Bruce Weber y Juergen Teller. Ella ha trabajado como fotógrafo independiente para the New York Times, SPIN y VIBE York y su trabajo ha sido publicado en la Ciudad de México en Luna Córnea, revista de fotografía publicada por el Centro de la Imagen así como en la revista Celeste. Ella ha expuesto sus trabajos de manera individual y colectiva en los EE.UU., México, España, Francia y Canadá, incluyendo las “Sesiones de Tijuana” (como parte de ARCO 05) en Alcalá 31 en Madrid, en la exposición itinerante que viaja de Baja California a Vancouver, en el museo del arte de Seattle, el museo del arte contemporáneo, San Diego (MCASD), el centro Wattis en San Francisco y la galería de arte de Vancouver. La exposición “El extraño nuevo mundo: Arte y diseño de Tijuana” que está actualmente en el museo de arte de Santa Mónica , e individualmente en la Casa de América como parte de Photoespaña-04, el museo del arte contemporáneo San Diego, la galería contemporánea Diaz en Toronto y el Museé de los beaux artes, de Orleáns, Francia.
En 2002 se le concedieron menciones honoríficas por la serie “Las novias más hermosas de Baja California” en la prestigiosa, Décima Bienal anual de Fotografía, del Instituto Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México . Recientemente recibió el premio stART up del museo de arte contemporáneo San Diego. Su trabajo es parte de diferentes colecciones en los EE.UU. y México, incluyendo la colección permanente del museo del arte contemporáneo de San Diego, la Fundación Televisa y el Centro de la Imagen en la Ciudad de México.
Su trabajo fotográfico explora temas de las clases sociales, el género y la representación personal de acuerdo su participación en una estructura de clase específica.
Yvonne ahora vive y trabaja en la frontera de Tijuana / San Diego.
Yvonne Venegas es una de las figuras más relevantes de la fotografía mexicana actual. Con una naturalidad deslumbrante, disecciona las interioridades de la burguesía más acomodada de su país.
Su padre, también fotógrafo de profesión, es uno de los más cotizados autores de reportajes de bodas y eventos familiares de la ciudad de Tijuana.
En su trabajo se siguen los estándares más tradicionales de este tipo de encargos. Frente a él, Yvonne, viene a representar la otra cara de la moneda. Sus imágenes también suelen representar este tipo de acontecimientos, pero desde otra perspectiva muy diferente. Los personajes no posan sino que son sorprendidos por la cámara en situaciones mucho más naturales, reflejando con mayor claridad sentimientos, emociones y relaciones personales.
Pese a que este análisis de la burguesía de Tijuana sea su aspecto más conocido y representativo, Yvonne Venegas no es una artista encerrada en lo local. De hecho la mayor parte de su formación artística se desarrolló en Estados Unidos (en concreto en Nueva York y San Diego) y su trabajo ha traspasado fronteras, incluyendo algunas interesantísimas series fotográficas realizadas en España.
El reconocimiento está comenzando a llegarle a Yvonne Venegas en forma de exposiciones en importantes museos y galerías de todo el mundo, así como en la concesión de premios como el Magnum Expression del año 2010 por su serie sobre la vida cotidiana de Maria Elvia de Hank (a la que pertenece la imagen superior), esposa de un conocido político priista y representante de la alta burguesía mexicana.
Yvonne Venegas (hermana de la cantante Julieta Venegas)
Yvonne venegas es una mujer muy talentosa, y lo que admiro de ella es que a pesar de que su hermana gemela es cantante famosa, no se baso en ella para poder conseguir fama, si no que sigui los pasos de supadre y opto por lo que mejor sabe hacer fotografiar.
RICHARD AVEDON
Reputado fotógrafo de modas y gran retratista, comenzó su carrera profesional en los años 1950 realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años 1960 y 70. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.
En los años 1960, Avedon se reveló como un artista comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo. Durante el año de 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el sur de los Estados Unidos, colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro Nothing personal. A finales de los 1960 y principios de los 1970, Avedon realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la Guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el diario New York Times. En la Navidad de 1989-1990 marchó a Alemania para documentar una ciudad dividida en dos mundos diferentes la noche en que caía el Muro de Berlín.
Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera.
En el año 1979 comenzó el que habría de convertirse en uno de sus trabajos más importantes. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Worth, Texas, Avedon dedicó cinco años a recorrer el oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. En esta obra, titulada In the american west, nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc. en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco. Nada hay en ellos del sueño americano o de la tierra prometida, pero son retratos de individuos que han sido observados y artísticamente elevados por la cámara de Avedon mediante una composición sobria, logrando así una considerable fuerza expresiva.
El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en San Antonio, Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica para un proyecto encargado por la revista The New Yorker, el cual se titulaba «On democracy», y se enfocaba en el proceso electoral del 2004 en los Estados Unidos; se trataba de retratos de candidatos, delegados de las convenciones nacionales, entre otros involucrados en el tema. Murió en la misma ciudad el 1 de octubre de ese año a consecuencia de las complicaciones médicas.
En el año 1991 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad
Es un personaje muy interesante, ya que me gusta como fotografia a las personas, simplemente en su entorno, y tal cual como es la persona, sin necesidad de arreglos.
LAUREN GREENFIELD
Lauren Greenfield es un artista estadounidense, fotógrafo documental y director de documentales. Ha publicado tres monografías de su trabajo fotográfico, dirigido cuatro películas documentales, expuso sus impresiones fotográficas en museos de todo el mundo, y había publicado su trabajo en una variedad de revistas y otras publicaciones en todo el mundo [1]. Su trabajo fotográfico y películas en general se ocupa de cuestiones relativas a la influencia de la cultura popular sobre la forma en que vivimos (cultura de la juventud, la identidad de género, la imagen corporal, trastornos de la alimentación, los medios de comunicación, la riqueza, la moda, la belleza y el consumismo).
De junio a noviembre de 2010, una colección de su trabajo fotográfico de "Fast Forward" y "Girl Culture" fue un lugar destacado en "Los observadores involucrados: la fotografía documental desde los años sesenta", un récord de exposición fotográfica fotográfica en el Museo Getty de Los Ángeles, que fue curada por Brett Abbott. [5] Su obra fue expuesta, así como conjuntos de manera similar, comisariada por Leonard Freed (Negro en América blanca), Philip Jones Griffiths (Vietnam Inc.), W. Eugene Smith (Minamata), Susan Meiselas (Nicaragua: junio 1978-julio 1979), Mary Ellen Mark (Streetwise), Larry Towell (los menonitas), Sebastião Salgado (Migraciones), y James Nachtwey ("El Sacrificio") [6].
Su fotografía, incluyendo los cuerpos enteros de trabajo como "Girl Culture" y "Fast Forward", se encuentra en muchas colecciones importantes, como el Instituto de Arte de Chicago, Los Angeles County Museum of Art (LACMA), el Museo J. Paul Getty, el San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), el Museo Nacional Smithsoniano de Historia Americana, el Centro Internacional de Fotografía, el Center for Creative Photography, el Museo de Bellas Artes (Houston), el Archivo de la Universidad de Harvard, el Smith College Museum of Art , la Biblioteca de Clinton, y el Ministerio de Cultura francés. Está representada por la galería Pace / MacGill en Nueva York, la Galería de Fahey / Klein en Los Angeles, y el Robert Koch Gallery de San Francisco.
Desde que comenzó su carrera en 1991, sus fotografías se han publicado regularmente en revistas como el New York Times Magazine, Time, Vanity Fair, People, National Geographic, Stern, The New Yorker, New York Magazine, Elle, Harper, Harpers Bazaar, Marie Claire, The Guardian y The Sunday Times Magazine. Ha recibido numerosos premios de fotografía y subvenciones, incluyendo el cubo de Directores de Arte Oro del Club de Fotografía [14], National Geographic Grant, el ICP Infinity Award para el fotógrafo Young (1996), una beca de la Fundación Hasselblad, la Comunidad NPPA Premio a la Conciencia, y la PREMIO DEL PÚBLICO en la Bienal de Moscú.
Desde que comenzó su carrera en 1991, sus fotografías se han publicado regularmente en revistas como el New York Times Magazine, Time, Vanity Fair, People, National Geographic, Stern, The New Yorker, New York Magazine, Elle, Harper, Harpers Bazaar, Marie Claire, The Guardian y The Sunday Times Magazine. Ha recibido numerosos premios de fotografía y subvenciones, incluyendo el cubo de Directores de Arte Oro del Club de Fotografía [14], National Geographic Grant, el ICP Infinity Award para el fotógrafo Young (1996), una beca de la Fundación Hasselblad, la Comunidad NPPA Premio a la Conciencia, y la PREMIO DEL PÚBLICO en la Bienal de Moscú.
Me gusta mucho la forma de destacar su habilidad, demostrandole a las personas como cada vez la infancia se pierde y ya las niñas de un tiempo para aca quieren convertirse en adultas, e gusta mucho su tematica en la fotografia
DAVID NEBREDA
Licenciado en Bellas Artes. A la corta edad de 19 años los médicos le diagnosticaron esquizofrenia. Vive encerrado en un piso de Madrid con apenas dos habitaciones donde ha realizado la totalidad de su obra fotográfica, sin tomar medicación, sin comunicación con el exterior, sin radio, prensa, libros ni televisión. Vegetariano desde los 20 años, practica la abstinencia sexual, y se somete a severos ayunos que le mantinen un estado de delgadez extrema.
Sus imágenes llegaron a las manos del galerista Renos Xippas quien le dedicó una exposición en su galería de París, fue allí donde Léo Scheer descubrió su obra, impresionado por su fuerza decidió hacerse editor para poder divulgar su obra. Ha publicado ya dos libros de fotos. Autodidacta dentro de la fotografía, sorprende por su sabia utilización de la técnica, el dominio de la luz y los claroscuros de sus fotografías, no manipula el positivado aunque si utiliza la doble exposición.
Su obra es casi desconocida en España, en Francia ha sido promocionada por gente de la categoría del antes citado Léo Sheer, filósofo crítico y uno de los promotores de Canal + Francia, e incluso ha sido objeto de un artículo de Jean Baudrillard.
El único referente cercano a su obra puede ser la del artista Joel-Peter Witkin, aunque el busca sus modelos en personas ajenas o en cadáveres, no como Nebreda que basa todo su trabajo en su propia persona.
ULISES CASTELLANOS
Estudió fotografía en Casa de las Imágenes y en la Escuela Activa de Fotografía en México, y en el Centro de Perfeccionamiento de Periodistas (CFPJ) en Paris, Francia. Ha publicado en varios diarios y revistas nacionales y extranjeros y cuenta con 25 exposiciones individuales y 60 colectivas tanto en México como fuera del país. Entre los cuales se destacan: el levantamiento del EZNL en Chiapas (1994); la crisis de los balseros en la base militar de Guantánamo, Cuba (1995); los operativos de la contraguerrilla en Colombia (1996); la visita del Papa Juan Pablo II a Cuba (1998) y el Mundial de Fútbol en Francia (1998); enviado especial en Medio Oriente durante la guerra de Irak (2003); reportajes documentales en Marruecos y Sarajevo (1998); los enfermos mentales en México (2000), los ataques del 11 de Septiembre en Nueva York y el conflicto en Afganistán (2001); publicó el libro “Manual de fotoperiodismo; Retos y Soluciones” (2003); reportaje sobre el Niño Milagro de Papa Juan Pablo II en Zacatecas publicado en la revista Paris Match, y en la revista El País Semanal, una cobertura especial de las elecciones presidenciales en México; así cómo la edición del número especial sobre México para Match du Monde (2006).
Algunas de sus exposiciones más importantes de los últimos años son: “Ciudad de México, Espacio en Construcción” presentada en 2004 en la Galería de Photo 798 en Beijing, China; “Cicatrices” que fue presentada en Paris en 2005 en la Galería Renoir de Le Latine; “Tibet” presentada en la Alianza Francesa en 2006 y “Pekín, Ciudad Prohibida” presentada en el Tecnológico de Monterrey en el mismo año.
Actualmente es el editor de fotografía del diario EL CENTRO donde también publica cada sábado su columna EN LA MIRA. Fue invitado a Photoespaña 2007 para los encuentros de reflexión entre fotógrafos, organizado por Christian Caujoille en el Centro de Arte Reina Sofía.
Algunas de sus exposiciones más importantes de los últimos años son: “Ciudad de México, Espacio en Construcción” presentada en 2004 en la Galería de Photo 798 en Beijing, China; “Cicatrices” que fue presentada en Paris en 2005 en la Galería Renoir de Le Latine; “Tibet” presentada en la Alianza Francesa en 2006 y “Pekín, Ciudad Prohibida” presentada en el Tecnológico de Monterrey en el mismo año.
Actualmente es el editor de fotografía del diario EL CENTRO donde también publica cada sábado su columna EN LA MIRA. Fue invitado a Photoespaña 2007 para los encuentros de reflexión entre fotógrafos, organizado por Christian Caujoille en el Centro de Arte Reina Sofía.
MARCEL DUCHAMP
Especialmente conocido por su actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento pop en el siglo XX. Al igual que este, abominó de la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.
Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville-Crevon, un pequeño pueblo donde su padre, Eugène Duchamp, ejercía como notario y alcalde. Fue el tercero de seis hermanos. Sus dos hermanos mayores, que adoptaron más tarde los nombres de Raymond Duchamp-Villon y Jacques Villon, decidieron dedicarse al arte, quizás debido a la influencia de su abuelo materno, que tras ganar una fortuna considerable como agente marítimo se había retirado para dedicarse a sus principales aficiones, el grabado y la pintura, llegando a exponer algunas obras en la Exposición Universal de París (1878).
Como habían hecho sus hermanos mayores, a los que estaba muy unido, Marcel asistió a clases de dibujo en el liceo. Su hermano Gaston (Jacques Villon) había alcanzado cierta fama como pintor de carteles en París, en una época en la que descollaban Henri de Toulouse-Lautrec y Alfons Mucha, y Marcel, que admiraba a su hermano, trató de imitar su estilo en sus primeros dibujos. En el verano de 1902, con catorce años, pintó sus primeros óleos, de influencia impresionista, en los que se muestran paisajes de Blainville. También realizaría varios dibujos con diferentes medios (acuarela, aguada, monotipo, lápiz) con un único tema: su hermana Suzanne, dos años menor que él, que también se dedicaría a la pintura. En 1904 abandonó el hogar paterno para marcharse al barrio parisino de Montmartre, donde vivió con su hermano Gaston. Marcel, al igual que sus hermanos, disponía de una asignación mensual que su padre le daba como adelanto de la herencia
El ready-made
El ready-made es un concepto difícil de definir incluso para el propio Duchamp, que declaró no haber encontrado una definición satisfactoria. Es una reacción contra el arte retiniano, esto es, el arte visual, por contraposición a un arte que se aprende desde la mente. Al crear obras de arte a partir de objetos simplemente eligiéndolos, Duchamp ataca de raíz el problema de determinar cuál es la naturaleza del arte y trata de demostrar que tal tarea es una quimera. En su elección, Duchamp trató de dejar al margen su gusto personal; los objetos escogidos le debían de resultar indiferentes visualmente, o retinianamente. Por esta razón limitó el número de ready-mades a crear. Sin embargo sabía que la elección es una manifestación del gusto propio. A este respecto declaró que fue un «jueguecillo entre mi y yo».
Retrospectivamente, se puede considerar el primer ready-made a Rueda de bicicleta sobre un taburete, aunque en su momento Duchamp no lo interpretó como tal, como tampoco hizo con Portabotellas'. Estas dos obras, escogidas en París, se perdieron tras su traslado. El primer ready-made completamente auténtico es una pala quitanieves que colgó del techo mediante un hilo y tituló In Advance of the Broken Arm. Una semana más tarde compró un ventilador de chimenea y lo llamó Pulled at 4 Pins, que en inglés no tiene significado, pero cuya traducción al francés, tiré a quatre èpingles, se puede traducir como «de punta en blanco». A excepción de rueda de bicicleta y portabotellas, que como se ha indicado no son ready-mades propiamente dichos, estas obras suelen tener nombres que no guardan aparentemente ninguna relación con el objeto.
Más tarde firmó un cuadro de una escena de batalla del Café des Artistes, convirtiéndolo así en un ready-made. También dijo que se podría firmar el rascacielos Woolworth Building para convertirlo en un ready-made o usar un Rembrandt como tabla de planchar.
En 1917 escogió un tablón de madera con varias escuadras que había adquirido para colgar ropa pero que dejó en el suelo una temporada y con el que solía tropezar y lo clavó definitivamente en el suelo, llamándolo Trébuchet (Perchero), haciendo un juego de palabras con trébucher (tropiezo) Porte-chapeau era un perchero circular que sujetó del techo.
Su ready-made más famoso es probablemente Fuente, presentado en la exposición de la Society of Independent Artists. En el editorial de Blind Man se hacía énfasis en que no tenía importancia si el autor lo había fabricado él mismo o no, si no que era el acto de la elección lo que transforma un artículo de fontanería en una obra artística, y crea un pensamiento nuevo para el objeto.
FELIX NADAR
Félix Nadar era el seudónimo de Gaspard-Félix Tournachon (1 de abril de 1820, París - 23 de marzo 1910), un fotógrafo francés, caricaturista, periodista, novelista y aeronauta. Algunas fotografías de Nadar se marcan como "P. Nadar" para "Photographie Nadar" (ver imagen abajo).
Nadar, nació en abril de 1820 en París (aunque algunas fuentes afirman Lyon). Él era un caricaturista de Le Charivari de 1848. En 1849 se creó la Revue Comique y rire el Petit Journal pour. Él tomó sus primeras fotografías en 1853 y en 1858 se convirtió en la primera persona en tomar fotografías aéreas. También fue pionero en el uso de iluminación artificial en la fotografía, trabajando en las catacumbas de París.
Alrededor de 1863, Nadar construyó un enorme (6.000 m³) globo llamado Le Géant ("El Gigante"), lo que inspira Cinco de Julio Verne semanas en globo. Aunque el "Gigante" fue inicialmente Nadar éxito seguía convencido de que el futuro pertenecía a más pesado que el aire. Más tarde, "La Sociedad para el Fomento de la locomoción aérea por medio de la más pesados que las máquinas de aire" se estableció, con Nadar como presidente y como secretario de Verne. Nadar fue también la inspiración para el personaje de Michael Ardan en Verne De la Tierra a la Luna.
Circa 1865: Autorretrato «giratoria» de Nadar, 2010: Animación por OxIxO
En su visita a Bruselas con el Géant, el 26 de septiembre de 1864, Nadar erigido barreras móviles para mantener a la multitud a una distancia segura. Hasta el día de hoy, las barreras de control de masas son conocidos en Bélgica como barreras Nadar.
En abril de 1874, prestó su estudio fotográfico a un grupo de pintores, lo que hace la primera exposición de los impresionistas posible. Tomó fotografías de Victor Hugo en su lecho de muerte en 1885. Se le atribuye haber publicado (en 1886) la primera foto de la entrevista (del famoso químico Michel Eugène Chevreul, a continuación, un centenario), y también tomó fotografías eróticas.
Desde 1895 hasta su regreso a París en 1909, el estudio fotográfico de Nadar estaba en Marsella (Francia).
Nadar murió en 1910, a los 89 años. Fue enterrado en el cementerio de Père Lachaise en París.
Alrededor de 1863, Nadar construyó un enorme (6.000 m³) globo llamado Le Géant ("El Gigante"), lo que inspira Cinco de Julio Verne semanas en globo. Aunque el "Gigante" fue inicialmente Nadar éxito seguía convencido de que el futuro pertenecía a más pesado que el aire. Más tarde, "La Sociedad para el Fomento de la locomoción aérea por medio de la más pesados que las máquinas de aire" se estableció, con Nadar como presidente y como secretario de Verne. Nadar fue también la inspiración para el personaje de Michael Ardan en Verne De la Tierra a la Luna.
Circa 1865: Autorretrato «giratoria» de Nadar, 2010: Animación por OxIxO
En su visita a Bruselas con el Géant, el 26 de septiembre de 1864, Nadar erigido barreras móviles para mantener a la multitud a una distancia segura. Hasta el día de hoy, las barreras de control de masas son conocidos en Bélgica como barreras Nadar.
En abril de 1874, prestó su estudio fotográfico a un grupo de pintores, lo que hace la primera exposición de los impresionistas posible. Tomó fotografías de Victor Hugo en su lecho de muerte en 1885. Se le atribuye haber publicado (en 1886) la primera foto de la entrevista (del famoso químico Michel Eugène Chevreul, a continuación, un centenario), y también tomó fotografías eróticas.
Desde 1895 hasta su regreso a París en 1909, el estudio fotográfico de Nadar estaba en Marsella (Francia).
Nadar murió en 1910, a los 89 años. Fue enterrado en el cementerio de Père Lachaise en París.
